UNDER PRESSURE - QUEEN

« Under Pressure » es una canción de la banda de rock británica Queen y el cantante David Bowie . Lanzada como sencillo en octubre de 1981, posteriormente se incluyó en el décimo álbum de estudio de Queen, Hot Space (1982). La canción alcanzó el número uno en la lista de sencillos del Reino Unido , convirtiéndose en el segundo número uno de Queen en su país natal y el tercero de Bowie; también se posicionó entre los diez primeros en más de diez países.

La canción ha sido descrita como una "canción de rock monstruosa que destacó" en el álbum Hot Space . "Under Pressure" fue incluida en el número 31 en las 100 mejores canciones de los 80 de VH1 y votada como la segunda mejor colaboración de todos los tiempos en una encuesta de Rolling Stone . En 2021, fue clasificada en el número 429 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos . Fue tocada en vivo en todos los conciertos de Queen desde 1981 hasta el final de la carrera de giras de la banda en 1986. Las grabaciones en vivo aparecen en álbumes en vivo de Queen, incluidos en, Queen Rock Montreal y Live at Wembley '86 .

La canción se incluyó en algunas ediciones de las primeras recopilaciones de grandes éxitos de Queen , como el lanzamiento original de Elektra en Norteamérica en 1981. Aparece en los álbumes recopilatorios de la banda Greatest Hits II , Classic Queen y Absolute Greatest , y en recopilaciones de Bowie como Best of Bowie (2002), The Platinum Collection (2005), The Best of David Bowie 1980/1987 (2007), Nothing Has Changed (2014), Legacy (2016) y Re:Call 3 (2017).

"Under Pressure" se grabó en Mountain Studios en Montreaux, Suiza, en septiembre de 1981.

Queen, que trabajaba en su álbum de 1982, Hot Space , había estado trabajando en una canción llamada "Feel Like", pero no estaban satisfechos con el resultado. Aunque se dijo que la colaboración comenzó cuando Queen se encontró con David Bowie en Mountain mientras grababan " Cat People (Putting Out Fire) ", la historia contada en entrevistas fue que Bowie casualmente estaba en Montreux y vivía cerca del estudio, así que Queen lo invitó al estudio y a partir de ahí todo despegó. La canción se grabó durante una maratónica sesión nocturna en Mountain, y las voces y la mezcla se completaron en POWER STATION, en Nueva York un par de semanas después.

Bowie cantó coros para la canción de Queen "Cool Cat", pero su voz fue eliminada de la canción final porque no estaba satisfecho con su interpretación. Después, trabajaron juntos durante un tiempo y escribieron "Under Pressure". Se le atribuyó como coescrita por los cinco músicos. El canto scat que domina gran parte de la canción es evidencia de los inicios de jam como improvisación . Sin embargo, según el bajista de Queen, John Deacon (citado en una revista francesa en 1984), el principal compositor musical de la canción fue Freddie Mercury , aunque todos contribuyeron al arreglo. Como Brian May recordó a la revista Mojo, en octubre de 2008, "Fue difícil, porque tenías cuatro chicos muy precoces y David, que era lo suficientemente precoz para todos nosotros. David se adueñó de la letra de la canción. Mirando hacia atrás, es una gran canción, pero debería haberse mezclado de otra manera. Freddie y David tuvieron una feroz batalla por eso. Es una canción significativa por David y su contenido lírico". La versión anterior y embrionaria de la canción sin Bowie, "Feel Like", está ampliamente disponible en forma de grabación pirata, y fue escrita por el baterista de Queen, Roger Taylor .

Además, ha surgido cierta confusión sobre quién creó la línea de bajo de la canción . John Deacon dijo (en la revista japonesa Music life en 1982) que David Bowie la creó. En entrevistas más recientes, Brian May y Roger Taylor atribuyeron el riff de bajo a Deacon. Bowie, en su sitio web, dijo que la línea de bajo ya estaba escrita antes de que él se involucrara. Roger Taylor, en una entrevista para el documental de la BBC Queen: The Days of Our Lives , afirmó que Deacon sí creó la línea de bajo, y que durante todas las sesiones en el estudio, había estado tocando el riff una y otra vez. También afirma que cuando la banda regresó de cenar, Deacon recordó mal el riff, pero Taylor aún pudo recordarlo. Según Brian May en un artículo de 2016 para MIRROR ONLINE, en realidad fue Bowie, no Taylor, quien cambió inadvertidamente el riff. El riff comenzó como "Deacy comenzó a tocar, 6 notas iguales, luego una nota una cuarta más abajo". Después de la pausa para la cena, Bowie cambió el recuerdo de Deacon del riff a "Ding-Ding-Ding Diddle Ing-Ding".

«Under Pressure» ha recibido elogios de la crítica desde su lanzamiento, y varias publicaciones la han clasificado entre las mejores canciones de Queen y Bowie, así como entre las mejores canciones de todos los tiempos. En su lanzamiento, Sandy Robertson de Sounds la calificó como la «piedra angular» del álbum. Record World afirmó que «Bowie y Freddie Mercury se combinan para ofrecer una experiencia musical fascinante». Décadas después, Stephen Thomas Erlewine de AllMusic , al reseñar Hot Space , la calificó como la «salvación indiscutible» del álbum y «la única razón por la que la mayoría de los oyentes recuerdan este disco». Describió la canción como «un dúo absolutamente majestuoso y etéreo que recaptura la gracia natural del apogeo de Queen a mediados de los 70, pero con un trasfondo de melancolía conmovedora que le otorga una calidez humana genuina, inaudita en gran parte de su música». De manera similar, Ned Raggett de AllMusic describió la canción como "himno, vistosa y conmovedora y un claro punto sobresaliente para ambos artistas".

Tras la muerte de Bowie en 2016, Jack Hamilton de Slate calificó a "Under Pressure" como una "obra maestra" y un recordatorio para el público de que Bowie podía ser "maravillosa y poderosamente humano".

La edición de septiembre de 2005 de la revista musical en línea Stylus destacó la línea de bajo como la mejor en la historia de la música popular. En noviembre de 2004, el crítico musical de Stylus Magazine , Anthony Miccio, comentó que "Under Pressure" "es la mejor canción de todos los tiempos" y la describió como la " obra maestra " de Queen. En 2012, Slant Magazine incluyó "Under Pressure" como el 21.º mejor sencillo de la década de 1980. Fue incluida en el número 31 de las 100 mejores canciones de los 80 de VH1 y votada como la segunda mejor colaboración de todos los tiempos en una encuesta de la revista Rolling Stone. Está clasificada en el número 429 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos .

El vídeo musical de la canción no presenta ni a Queen ni a David Bowie debido a compromisos de gira. Tomando el tema de la presión, el director David Mallet editó junto con imágenes de archivo de atascos de tráfico, trenes de cercanías llenos de pasajeros, explosiones, disturbios, coches siendo aplastados y varias piezas de metraje de películas mudas de la década de 1920, en particular la influyente película soviética de Sergei Eisenstein , El acorazado Potenkim, El Águila, Mi dama de los caprichos, la muda Dr. Jekyll y Mr. Hyde protagonizada por John Barrymore , y Nosferatu de FW Murnau, una obra maestra del movimiento expresonista alemán. El video explora la mentalidad de olla a presión de una cultura dispuesta a librar una guerra contra las máquinas políticas, y al mismo tiempo amar y divertirse (también hay imágenes de multitudes disfrutando de conciertos y muchas escenas de besos en blanco y negro).Top of the Pops se negó a mostrar el video en su forma original debido a que contenía imágenes de explosiones en Irlanda del Norte, por lo que en su lugar se mostró una versión editada. En 2003, Slant Magazine clasificó a "Under Pressure" en el puesto número 27 entre los 100 mejores videos musicales de todos los tiempos.

Según el biógrafo de Bowie, Chris O'Leary, y Queenvinyls:

Freddie Mercury : voz principal y coros, órgano Hammond, piano, palmas, chasquidos de dedos.

Brian May – guitarra eléctrica, palmas, chasquidos de dedos

Roger Taylor – batería, coros, palmas, chasquidos de dedos

John Deacon – bajo, palmas, chasquidos de dedos

David Bowie – voz principal y coros, Jupiter-8 , palmas, chasquidos de dedos

David Richards – piano

Aunque se trató de un proyecto conjunto, solo Queen incorporó la canción a sus conciertos en ese momento. Roger Taylor cantó las partes de Bowie, ya que Bowie nunca estuvo presente en una presentación en vivo de la canción con él. Bowie optó por no interpretar la canción en público hasta el Concierto Tributo a Freddie Mercury de 1992 , cuando él y Annie Lennox la cantaron a dúo (acompañados por los miembros supervivientes de Queen). Sin embargo, tras la muerte de Mercury y la gira Outside en 1995, Bowie interpretó la canción en prácticamente todos sus conciertos, con la bajista Gail Ann Dorsey asumiendo la parte vocal de Mercury. La canción también apareció en los repertorios de la gira A Reality Tour que Bowie realizó en 2004, cuando frecuentemente se la dedicaba a Freddie Mercury. Queen más Paul Rodgers han interpretado la canción. En el verano de 2012, Queen mas Adam Lambert realizaron una gira, incluyendo una interpretación de la canción por Lambert y Roger Taylor en cada concierto.

En el Reino Unido, «Under Pressure» fue el segundo número uno de Queen y el tercero de Bowie. El gran éxito de Queen, «Bohemian Rhapsody», alcanzó el número uno en noviembre de 1975, apenas dos semanas después de que «Space Oddity» de Bowie hiciera lo mismo. Bowie también encabezó las listas británicas en agosto de 1980 con «Ashes to Ashes», su canción de respuesta a «Space Oddity».

(https://en.wikipedia.org/wiki/Under_Pressure)

I WANT TO BREAK FREE - QUEEN

«I Want To Break Free» (en español: Quiero ser libre) es una canción realizada por la banda de rock británica Queen incluida en su disco del álbum The Works, publicado en 1984. La canción, escrita por el bajista John Deacon, fue lanzada como el segundo sencillo en abril de 1984, con Machines (Or 'Back To Humans') como lado B, y alcanzó el puesto número 3 en el Reino Unido. Aparece en el álbum The Works (1984), y fue lanzado en tres versiones: álbum, sencillo y extendido. Se incluyó en la mayoría de los conciertos en vivo del grupo, en varios vídeos y en The Freddie Mercury Tribute Concert, donde fue interpretado por Lisa Stansfield.

El vídeo de la canción es uno de los más recordados de la banda, en el que sus integrantes parodian una telenovela británica de la época llamada Coronation Street, caracterizados como mujeres. La segunda parte del vídeo incluye una composición ensayada y actuada por el Royal Ballet de Londres y la coreografía fue hecha por Wayne Eagling. A causa de ello, el vídeo fue censurado por MTV en los Estados Unidos, por lo que Queen no incluyó a este país en el The Works Tour. El vídeo no fue visto en las pantallas estadounidenses hasta 1991.

La canción es ampliamente conocida por su vídeo musical para el cual todos los miembros de la banda se vistieron de señoras amas de casa, un concepto propuesto por Roger Taylor, que parodiaba la telenovela Coronation Street de ITV. La segunda parte del vídeo incluyó una composición ensayada y realizada con el Royal Ballet y coreografiada por Wayne Eagling. Mientras que la parodia fue aclamada en el Reino Unido, donde el travestismo es un tropo popular en la comedia británica, se consideró controvertido en los Estados Unidos.

Después de su lanzamiento en 1984, la canción fue bien recibida en Europa y América del Sur y es considerada como un himno de la lucha contra la opresión. El sencillo alcanzó el número 45 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, pero alcanzó el número tres en el Reino Unido y obtuvo la certificación de plata con más de 200 000 copias vendidas. También encabezó las listas de Austria, Bélgica y los Países Bajos. La canción aparece en el álbum recopilatorio de la banda, Greatest Hits II.

La versión extendida dura 7 minutos y 16 segundos y presenta una introducción y finalización más largas. Dura hasta las 6:04, y el minuto restante contiene fragmentos de otras canciones de The Works. La versión extendida se distribuyó principalmente como discos de vinilo de 12 pulgadas y luego se volvió a publicar en el CD de The Works en 1991. Además apareció en los álbumes Greatest Hits II, Box of Tricks, Greatest Hits (1992 US 'Red' edition) y Absolute Greatest y en los sets The Complete Works y The Platinum Collection.

Siguiendo la tradición del cross-dressing en la comedia británica, el vídeo musical de "I Want to Break Free" ve a los miembros de Queen aparecer en una casa suburbana vestidos como mujeres, una parodia de los personajes de Coronation Street. Mercury, como ama de casa, aspira el piso y canta el primer verso. Abre una puerta que conduce a un espacio oscuro, donde el grupo aparece rodeado de figuras con cascos de minero. Mercury baila en una caja brillante y reaparece con varios bailarines vestidos con leotardos manchados, y realiza un baile. En la casa, Mercury canta y sube las escaleras. El grupo aparece en el espacio oscuro de nuevo.

El vídeo comienza con una escena de las típicas calles residenciales británicas en la mañana, intercaladas con escenas del personaje de Brian May siendo despertado por un Teasmade. Las casas adosadas (terrace houses), características de los planes de viviendas socia británicos, se encuentran en Leeds, en el barrio de Harehills. El techo de una casa adosada, muy probablemente entre "Sandhurst Terrace" y "Dorset Rd" se puede ver en la toma de apertura. En la segunda escena, la cámara se desplaza a una casa adosada y se detiene en la casa donde supuestamente ocurre la acción. Se encuentra en "41 Dorset Mount" en la vida real y tiene un plano de planta ligeramente diferente al conjunto utilizado en el vídeo. Una parte de la placa con el nombre de la calle "Dorset Mount" se puede ver en su pared solo un segundo antes de que Brian May se levante de la cama.

El vídeo musical de "I Want To Break Free" fue dirigido por David Mallet. Fue filmado el 22 de marzo y el 4 de mayo de 1984 en Limehouse Studios y costó alrededor de £100,000. El vídeo falsifica la telenovela de ITV Coronation Street, como lo propuso Roger Taylor: "Habíamos hecho algunos vídeos realmente serios y épicos en el pasado, y pensamos que nos divertiríamos. Queríamos que la gente supiera que no lo hicimos. No nos tomemos demasiado en serio, que aún podamos reírnos de nosotros mismos. Creo que lo probamos."

El vídeo muestra a Mercury como una ama de casa, basada libremente en Bet Lynch, que quiere "liberarse" de su vida. Aunque Lynch era rubia, Mercury pensó que se vería demasiado tonto como rubia y eligió una peluca oscura. Lleva una peluca negra, aretes rosas, blusa rosa con un pecho falso considerable debajo, minifalda de cuero negro, zapatos hasta la rodilla y de tacón. Durante las pruebas, Mercury se dio cuenta de que no podía caminar libremente con zapatos de tacón alto y se decidió por unos de 2 pulgadas. May interpreta a otra ama de casa más relajada basada en Hilda Ogden. Deacon aparece como una "abuela" conservadora, mientras que Taylor interpreta a una colegiala, que al igual que Mercury quiere una vida diferente. La composición fue coreografiada por Wayne Eagling, un amigo de Mercury que lo había ayudado con la coreografía de "Bohemian Rhapsody". Eagling era entonces un líder del Royal Ballet que participó en el vídeo (uno de los bailarines fue Jeremy Sheffield). Mercury se afeitó el bigote para retratar a Vaslav Nijinsky como un fauno en el ballet L'après-midi d'un faune. El tiroteo requirió mucha práctica, especialmente la parte rodante del transportador. Según Eagling, a pesar de ser un intérprete natural en el escenario, Mercury no podía soportar realizar ningún acto coreografiado él mismo, por lo que fue recogido y movido en la parte de ballet del vídeo. Los ensayos con el Royal Ballet fueron organizados por Eagling en secreto de sus superiores, algo que lo puso en serios problemas cuando se descubrió más tarde.

El sencillo fue bastante bien recibido alrededor del mundo, excepto en Estados Unidos. En abril de 1984, se convirtió en el número 3 en el Reino Unido, y estuvo en el Top 10 en varios países de Europa y América Latina, pero solo alcanzó el número 45 en Estados Unidos. El sencillo se convirtió en Oro en el Reino Unido. El vídeo de la canción presenta a Freddie y al resto del grupo o los componentes de la banda vestidos de mujeres, parodiando una telenovela británica de la época llamada Coronation Street. El veto sufrido por MTV y otras estaciones de Estados Unidos, que causaron que la banda no incluyera a ese país en el The Works Tour, también jugaron un papel importante en el bajo ranking sufrido en ese país. El veto se levantó en 1991 cuando la canción salió al aire en el programa de VH1 "«Mi generación»", en un episodio dedicado a Queen y presentado por Brian May. De acuerdo con él, en una entrevista que hizo acerca de los grandes éxitos de Queen, mientras que el vídeo se entendió y se tomó como una broma en el Reino Unido, la audiencia de Estados Unidos no lo relacionó con la telenovela británica y probablemente interpretó el vídeo como una declaración abierta de un supuesto travestismo y la homosexualidad o bisexualidad de Freddie, lo cual podría explicar por qué se vetó el vídeo en ese país.

A finales de los años ochenta 80, esta canción se convirtió en un himno para el CNA de Sudáfrica, cuando Nelson Mandela todavía estaba en la cárcel.

Durante el Concierto en Tributo a Freddie Mercury la canción fue interpretada por Lisa Stansfield, quien salió a escena con rulos y una aspiradora, homenajeando así al personaje que Freddie Mercury interpretaba en el vídeo de la canción.

Escrita por: John Deacon

MATILDE LANDA - BARRICADA

La canción 'Matilde Landa' de Barricada rinde homenaje a una figura histórica de la Guerra Civil Española, Matilde Landa, una mujer que simboliza la resistencia y el coraje en tiempos de represión. La letra está impregnada de referencias a su lucha y sufrimiento, destacando su papel como republicana y su firmeza ante la adversidad. La mención de 'balas y cárcel' evoca el contexto violento y opresivo en el que vivió, mientras que 'libertad y coraje' subraya su espíritu indomable y su compromiso con la causa republicana.

El estribillo de la canción enfatiza la imposibilidad de doblegar su voluntad: 'No pudieron colgar de tu pecho ni crucifijos ni sotanas'. Esta línea sugiere la resistencia de Matilde Landa a la imposición religiosa y a la opresión franquista, manteniéndose fiel a sus ideales hasta el final. La repetición de 'republicana' refuerza su identidad y su lucha, convirtiéndola en un símbolo de resistencia para las generaciones futuras.

La canción también aborda la soledad y el dolor personal de Matilde Landa, especialmente en la línea 'Qué irónica es la vida, que por un lado seas consuelo para muchas y a la vez la soledad te acompaña en cada lágrima'. Aquí, Barricada humaniza a la figura histórica, mostrando su vulnerabilidad y el sacrificio personal que conllevó su lucha. La mención de su hija esperando su regreso añade una capa de tragedia personal a su historia, recordándonos que detrás de cada héroe hay una persona con emociones y relaciones personales.

'Nos espera en el aire tu abrazo, eres lluvia enterrada' es una metáfora poderosa que sugiere que, aunque Matilde Landa ya no esté físicamente presente, su espíritu y legado perduran. La 'lluvia enterrada' puede interpretarse como la esperanza y la lucha que continúan germinando en la memoria colectiva, inspirando a nuevas generaciones a seguir luchando por la libertad y la justicia.

https://www.letras.com/barricada/2000428/significado.html

La tierra está sorda es el título del decimocuarto disco de estudio de la banda de rock Barricada. Publicado en 2009, se trata de un álbum conceptual sobre la guerra civil española. Está acompañado por un libreto de 184 páginas escrito por El Drogas, bajista y voz del grupo hasta 2011.

https://es.wikipedia.org/wiki/La_tierra_est%C3%A1_sorda

Os dejo con su sexto corte, Matilde Landa.

DEVIL CAME TO ME - DOVER

«Devil Came to Me» es una canción compuesta por Dover y publicada como la canción de apertura de su segundo álbum de estudio Devil Came to Me, que vendió más de 800 000 copias. https://es.wikipedia.org/wiki/Devil_Came_to_Me_(canci%C3%B3n_de_Dover)

THE SENTINEL - JUDAS PRIEST

La canción 'The Sentinel' de Judas Priest se sumerge en un mundo oscuro y vigilante, donde la justicia y la venganza se entrelazan en un baile mortal. La letra describe a un personaje solitario, conocido como el centinela, que se prepara para un enfrentamiento inminente en un entorno urbano desolado y lleno de tensiones. A través de imágenes vívidas como avenidas desiertas, humo y campanas de catedrales que suenan, la canción evoca una atmósfera de anticipación y peligro inminente.

El centinela es retratado como un guerrero implacable y preparado, cuya vida pende de un hilo mientras espera una señal para entrar en acción. Las estrofas que mencionan 'Sworn to avenge, Condemn to hell, Tempt not the blade, All fear the sentinel' refuerzan su papel como un agente de venganza y temor, un guardián que no solo protege sino que también castiga. La canción alcanza su clímax en una violenta confrontación donde los cuchillos vuelan y la sangre se derrama, mostrando la brutalidad y el costo humano de la justicia que el centinela administra.

Musicalmente, Judas Priest utiliza su característico estilo de heavy metal para complementar la intensidad de la letra. Los riffs potentes y el ritmo acelerado refuerzan la sensación de urgencia y conflicto. 'The Sentinel' no solo es una exploración de la justicia vigilante, sino también una reflexión sobre la soledad y el peso emocional que conlleva ser el portador de tal destino. La figura del centinela, aunque victoriosa, permanece impasible y sola, subrayando la ambigüedad moral de sus acciones y el aislamiento que su rol implica.

https://www.letras.com/judas-priest/102504/significado.html

Defenders of the Faith es el noveno álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1984 a través de Columbia Records. De acuerdo a Steve Huey del sitio Allmusic es una de sus producciones con mejor calidad, aunque no llega a la altura de British Steel y Screaming for Vengeance principalmente por no generar sencillos a nivel mundial como los ya mencionados.

En el 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales: «Turn On Your Light» grabada durante las sesiones de Turbo y una versión en vivo de «Heavy Duty/Defenders of the Faith», que se grabó en Long Beach (California) en 1984. En marzo de 2015 con motivo de su trigésimo aniversario, se editó una publicación especial, que incluyó un álbum en vivo de doble disco. Dicha grabación se realizó el 5 de mayo de 1984 en el Long Beach Arena de Long Beach, emitida originalmente por una radio local.

A los pocos días después de presentarse en el certamen US Festival en California, la banda se trasladó nuevamente a los Ibiza Sound Studios en España para escribir nuevas canciones para un eventual álbum de estudio. En junio de 1983 e instalados en la isla de Ibiza, se enteraron de que el estudio tenía problemas de financiación y que muchos de los equipos no estaban allí.

De acuerdo a una entrevista dada por Rob Halford a la revista Revolver en septiembre de 2003, afirmó que durante días no pudieron hacer nada porque los técnicos del estudio no habían recibido su sueldo. También relató que el sello le prestó dinero al dueño del estudio para que la banda pudiera grabar, aun así en precarias condiciones ya que los técnicos se habían llevado algunos de los equipos de grabación como compensación económica.

Tras llegar a un acuerdo entre los técnicos, el dueño del estudio y la discográfica, la banda pudo iniciar las grabaciones en julio de 1983 y que culminaron a mediados de agosto. Luego entre septiembre y noviembre se trasladaron a Miami específicamente a los DB Recording Studios y a los Bayshore Recording Studios, donde iniciaron el proceso de mezclado. Allí también decidieron el título del álbum que en un principio se llamaría Keep the Faith, pero que luego optaron por el actual basándose en la canción «Defenders of the Faith» ya que en una entrevista a K.K. Downing realizada por Rockline explicó: «El significado del título es que el heavy metal es nuestra fe, como lo es para todo el que lo sigue. Estamos defendiéndola contra los no creyentes». Por último, a fines de noviembre todas las canciones se masterizaron en los Sterling Studios de Nueva York.

A pesar de que el proceso de grabación en sí fue un éxito, el guitarrista K.K. Downing sufrió un grave accidente que casi le cuesta la vida. Cuando aún estaban en la ciudad, tanto él como el ingeniero de sonido Mark Dodson se trasladaron a un local nocturno y cuando salían del establecimiento Downing fue atropellado por un taxi. Según comentaron los testigos, antes de llegar a una esquina el taxi lo atropelló por el frente lanzándolo a varios metros más allá y de acuerdo a Glenn Tipton, el guitarrista fue llevado al hospital consciente pero con serias fracturas que le costaron estar varias semanas de reposo antes de volver a grabar.

Se lanzó oficialmente el 4 de enero de 1984 en el Reino Unido a través de CBS Records y a los pocos días alcanzó el puesto 19 en los UK Albums Chart. En el mismo día también se publicó en los Estados Unidos por el sello Columbia donde llegó al lugar 18 en la lista Billboard 200.​ Dos meses después recibió disco de oro por la Recording Industry Association of America y en 1988 le otorgaron disco de platino, tras vender más de 1 millón de copias en el país norteamericano.

Para promocionarlo se lanzaron tres canciones como sencillos; «Freewheel Burning» que se lanzó en diciembre de 1983 y que llegó a la posición 42 en los UK Singles Chart, «Love Bites» publicado a principios de 1984 y «Some Heads Are Gonna Roll» puesto a la venta en marzo del mismo año.​ Por su parte, a principios de enero comenzó su gira promocional denominada Metal Conqueror Tour, que destacó porque los llevó por primera vez a España y porque en varios de sus conciertos fueron tocadas todas las canciones del álbum a excepción de «Eat Me Alive». Como dato en el 2008 y durante la gira del disco Nostradamus, «Eat Me Alive» fue tocada en vivo convirtiendo a Defenders of the Faith en su segunda producción en ser interpretada completamente en directo después de Rocka Rolla.

Su portada fue concebida por la propia banda y el dibujo del personaje fue obra de Doug Johnson, el mismo artista que creó al ave metálica llamada The Hellion en Screaming for Vengeance. El personaje que aparece en esta portada se llama The Metallian, una criatura similar a un tigre con cuernos de carnero y con cuerpo con forma de tanque, que fue creada por los propios integrantes de la banda.​ De acuerdo a Downing necesitaban una portada llamativa que reflejara el título del disco y por ello crearon a The Metallian como un ser defensor del heavy metal.

Al igual que en Screaming for Vengeance, en su contraportada se escribió un mensaje con la idea de contar una breve historia de esta criatura: «Emerge desde la oscuridad, donde el infierno no tiene piedad y los ecos de los gritos de venganza estarán por siempre. Solo aquellos que conservan su fe escaparán de la ira de The Metallian... Maestro de todo el metal».

https://es.wikipedia.org/wiki/Defenders_of_the_Faith

Os dejo con su cuarto corte, The Sentinel

WALKING BY MYSELF - EL HOMBRE ABUELA

EL HOMBRE ABUELA era un grupo gijonés, fundado en el año 2004, que editó tres maquetas, la última en el año 2005. Su música estaba influenciada por las grandes bandas del hard rock internacional y nacional y buscaban transmitir sus preocupaciones sociales a través de su música y también mantener el espíritu revolucionario del rock. Los miembros más importantes, a parte de otros que pasaron ni pena ni gloria por el grupo, fueron, Rosillo, Manuel, Gil, Adrián, Óscar y Rubén. Ganaron el concurso de maquetas COMA en el año 2007 y publicaron un tema suyo en un disco editado con las bandas ganadoras del mismo, el tema fue. Hoy os dejo con una de los primeros temas que grabaron, una versión del gran Gary Moore, Walking by myself, grandes El Hombre Abuela

 

SAFE IN NEW YORK CITY - AC DC

La canción 'Safe In New York City' de la icónica banda de rock AC/DC, lanzada en el año 2000, es una pieza que destila la energía cruda y el estilo desenfadado característicos del grupo. A primera vista, el estribillo repetitivo que afirma sentirse seguro en Nueva York podría interpretarse como una declaración de amor hacia la ciudad que nunca duerme. Sin embargo, una mirada más atenta a la letra sugiere una posible ironía, ya que Nueva York, especialmente en las décadas anteriores, era conocida por su alta criminalidad y su ambiente peligroso.

La letra menciona 'los altos lugares y la disposición de la tierra', lo que podría interpretarse como una exploración de la ciudad más allá de los destinos turísticos habituales, adentrándose en los rincones más crudos y auténticos. La referencia a 'no necesitar un cohete o una gran limusina' sugiere que la verdadera experiencia de Nueva York se vive en las calles, en contacto directo con su vibrante cultura urbana. La canción también alude a la vida nocturna y a la energía sexual de la ciudad, con líneas que hablan de 'lip smackin' honey' y 'cosas en jeans ajustados', lo que refuerza la imagen de una ciudad llena de vida y tentaciones.

Musicalmente, AC/DC es conocido por su rock duro y directo, y 'Safe In New York City' no es una excepción. La canción captura la sensación de invencibilidad y desafío que a menudo se asocia con la juventud y la rebeldía. En este contexto, la canción puede verse como una celebración de la libertad y la audacia, con Nueva York sirviendo como el escenario perfecto para la aventura y la autoafirmación.

https://www.letras.com/ac-dc/609/significado.html

La canción fue escrita por los hermanos Angus y Malcolm Young y fue lanzada como sencillo el 28 de febrero de 2000. Fue coproducida por George Young y la banda. ​Alcanzó la posición No. 21 en la lista Billboard Mainstream Rock de los Estados Unidos.

El vídeoclip de la canción, dirigido por Andy Morahan, muestra a la banda tocando en un túnel de la ciudad rodeada por la policía.

https://es.wikipedia.org/wiki/Safe_in_New_York_City

Es el quinto corte del álbum Stiff upper lip, decimocuarto trabajo de estudio de la banda.

ARE YOU READY - AC DC

«Are You Ready» es una canción de la banda australiana de hard rock AC/DC, la cual aparece en el álbum de estudio The Razors Edge, lanzado en 1990 por Atco Records.

El video musical para esta canción, dirigido por David Mallet, muestra a un grupo de presos que asisten a un mini concierto de AC/DC en su prisión.

Un preso se viste de gala para prepararse para que la banda  toque la canción y los guardias de seguridad les afeitan la cabeza a los presos, dejando una parte sin afeitar que forma el logo de AC/DC, el similar a la cubierta del álbum de la banda, The Razors Edge.

https://es.wikipedia.org/wiki/Are_You_Ready_(canci%C3%B3n_de_AC/DC)

ACCIÓN DIRECTA - BARRICADA

La canción 'Acción Directa' de Barricada es un himno de protesta y resistencia. Desde el primer verso, la letra nos sumerge en un ambiente de tensión y urgencia, con la noticia que 'encendió la mecha' y el 'fuerte golpe' que 'arranca la cabeza'. Estas imágenes evocan una situación de crisis inminente, donde la calma ha sido reemplazada por el caos y la agitación. La referencia a la tormenta que se avecina y el tumulto creciente refleja un descontento social que está a punto de estallar.
El estribillo 'Preparados para lo que sea, preparados para lo que venga' refuerza la idea de una comunidad lista para enfrentar cualquier adversidad. La repetición de esta frase subraya la determinación y la unidad de las personas ante la adversidad. La falta de respuestas a las preguntas y la indignación de ser 'escupidos a la cara' simbolizan la frustración y la injusticia que sienten. La 'acción directa' se presenta como la única solución viable, una respuesta inmediata y contundente ante la opresión.
La metáfora de 'como una bala rasa vas' sugiere una fuerza imparable y decidida. La canción no solo es un llamado a la acción, sino también una declaración de que la pasividad no es una opción. Barricada, conocido por su estilo punk rock y sus letras comprometidas, utiliza esta canción para canalizar la rabia y la energía de una generación que no está dispuesta a aceptar la injusticia sin luchar. 'Acción Directa' es, en esencia, un grito de guerra contra la opresión y un recordatorio de que la resistencia es necesaria para el cambio. https://www.letras.com/barricada/627472/significado.html
La canción viene en el onceavo trabajo de estudio de la banda, para concretar, su primer corte y el que da nombre al álbum. El mismo vio la luz en el año 2000.

HEATSEEKER - AC DC

«Heatseeker» es una canción que pertenece al álbum Blow Up Your Video (1988), de la banda de hard rock australiana AC/DC. Esta canción aparece en otros álbumes de AC/DC en vivo, en concierto y en otros discos de coleccionistas. También, "Heatseeker" ha salido en otros formatos con "Go Zone".
En el vídeo, dirigido por David Mallet, Angus Young estalla de una vida de tamaño de los televisores. Él lanza su gorra y cae en el interruptor que hace despegar el misil. Un misil balístico intercontinental es lanzado y en la pantalla es filmaciones de la Strategic Air Command en los años 1950, 1960 y 1970. El misil se convierte en un misil de crucero, y viaja por todo el mundo, con lo cual finalmente se estrella en el Opera House de Sídney, durante el concierto de AC / DC . Angus estalla fuera de la ojiva del misil gigante y hace un solo de guitarra. Al final, Angus retornar a la ojiva del misil.

https://es.wikipedia.org/wiki/Heatseeker

YOU REALLY GOT ME - THE KINKS

«You Really Got Me» es una canción del grupo británico The Kinks escrita por su líder Ray Davies. Se publicó en un sencillo en agosto de 1964, al mes siguiente llegó al #1 del UK singles chart y permaneció en ese puesto durante dos semanas. Este gran éxito los llevó a la fama y a ser una de las bandas más representativas de la invasión británica.

La canción, que se basa principalmente en un riff ejecutado con acordes de quinta, es clave para los posteriores géneros del rock and roll, en particular en el garage rock y el punk rock. La canción aparece en el lugar número 82 en la lista de Rolling Stone de las 500 canciones más grandes de la historia. En 2005, la BBC la proclamó como la mejor canción británica del decenio 1955-1965. La revista Q la ubicó en el lugar 9 en la lista de las mejores canciones de guitarra.

La canción se grabó en el verano de 1964, cuando la banda venía de publicar dos sencillos de no mucho éxito en las listas y con la presión de la compañía discográfica de lograr un acierto para continuar grabando convenció a la compañía y su sencillo se publicó, para después quedar como el compositor principal de las canciones de los Kinks.

El distorsionado sonido de la guitarra se debe a una idea de Dave Davies, quien colocó en su amplificador una hoja de afeitar y alfileres. Este amplificador fue llamado cariñosamente como «little green» y fue fabricado por la compañía Elpico. La guitarra usada en la canción es una Harmony Meteor de 1962.

El solo de guitarra ha sido un constante mito en la historia del rock and roll, mucho de ello se debe a la presencia de Jimmy Page en las sesiones de grabación. Algunos afirman que el solo fue realizado por Page, pero sin lugar a dudas el solo pertenece al joven Davies (que tenía sólo 17 años). Además, por aquellos días Jimmy era músico de sesión.

Numerosos artistas han hecho su propia versión de «You Really Got Me», además de las versiones en solitario de los hermanos Ray y Dave Davies. En 2008, All Music Guide publicó la lista de grupos o solistas que interpretaron alguna vez esta canción.

Entre las más destacadas versiones se encuentran las de 13th Floor Elevators (1966), Mott the Hoople (1969), Robert Palmer (1978), Sly & the Family Stone (1983), Toots Hibbert (1998), Metallica con Ray Davies (2010). En bandas en español se encuentran versiones de Los Bunkers y Massacre.

Probablemente, la versión más famosa fue la hecha por la banda de Van Halen, que apareció en su primer álbum en 1978. Esta versión significó el salto al estrellato y el regreso de la canción a las listas de popularidad.

https://es.wikipedia.org/wiki/You_Really_Got_Me

DILE ADIOS AL ROCK AND ROLL - SINIESTRO TOTAL

Made in Japan es el título del octavo álbum de estudio de la banda gallega Siniestro Total, grabado entre mayo y junio de 1993 y publicado por BMG en septiembre de ese mismo año. Se trata del primer álbum que el grupo graba en Memphis, y con la producción de Joe Hardy, que ya había trabajado con grupos como ZZ Top o Jeff Healey.

Este es el último disco en el que participa Miguel Costas, hasta ese momento guitarrista y cantante principal del grupo, por lo que a partir de entonces, la formación queda reducida a un cuarteto. Se realizaron videoclips de los tres sencillos del álbum, «El hombre medicina», «Yo dije Yeah» y «Cuenca minera», todos ellos a cargo del realizador Mikel Clemente, y con la colaboración de Álex de la Iglesia en «Yo dije Yeah». Los sencillos incluyeron una sola canción y el videoclip correspondiente.

https://es.wikipedia.org/wiki/Made_in_Japan_(%C3%A1lbum_de_Siniestro_Total)

Os dejo con el cuarto corte del álbum, DILE ADIÓS AL ROCK AND ROLL.

ASSUMPTA - SINIESTRO TOTAL

Ante todo mucha calma es el título del primer álbum grabado en directo por la banda de Galicia (España) Siniestro Total. Fue el primer trabajo de Siniestro Total con su nueva discográfica, BMG-Ariola.

Todas las canciones del álbum fueron grabadas en el concierto que el grupo dio el 22 de noviembre de 1991 en la sala Arena de Valencia.​ Fue mezclado y producido por Eugenio Muñoz y Rafa de la Fuente en los estudios BOX de Madrid en diciembre de 1991 y su salida al mercado, lanzado por la discográfica BMG-Ariola a principios de 1992 coincidió con una de las cotas más alta de popularidad y repercusión alcanzada por la formación en España.

Os dejamos con su tercer corte,  Assumpta.

​https://es.wikipedia.org/wiki/Ante_todo_mucha_calma

DEL PULMÓN - ROSENDO

La canción 'Del pulmón' de Rosendo aborda la complejidad de las relaciones humanas, especialmente aquellas en las que hay un desequilibrio de intereses y emociones. Desde el inicio, la letra nos presenta una situación de intercambio desigual: 'Con poco más de lo que tienes y algo que te ponga yo, compras la sal y luego vienes y me pagas el favor'. Aquí, Rosendo describe una relación en la que una persona parece estar dando más de lo que recibe, lo que genera una sensación de injusticia y desbalance emocional.

La metáfora del 'pulmón' es central en la canción. Rosendo menciona 'yo fumándome un cartón' y 'yo enfermo del pulmón', lo que puede interpretarse como una referencia a la autodestrucción y el desgaste personal que sufre alguien en una relación tóxica. El acto de fumar, que daña los pulmones, simboliza cómo la persona se consume a sí misma mientras la otra parte 'baila al son que le conviene', es decir, actúa de manera egoísta y oportunista.

El estribillo 'Que desastre somos dos, uno quiere y otro no' encapsula la esencia de la canción: la disparidad en el deseo y el compromiso. Esta frase refleja la frustración y el dolor de estar en una relación donde los sentimientos no son recíprocos. Rosendo, conocido por su estilo directo y crudo, utiliza esta canción para explorar temas de desamor y sacrificio personal, ofreciendo una mirada honesta y desgarradora sobre las dificultades de las relaciones humanas.

https://www.letras.com/rosendo/699790/significado.html

Jugar al gua es el título del cuarto álbum de Rosendo Mercado en su etapa en solitario, publicado en 1988 por el sello Twins.

Después de su etapa en RCA Records, discográfica de la que Rosendo salió manteniendo muchas diferencias, este es el primer álbum con el sello Twins. En este disco Rosendo busca sonidos nuevos y compone por primera vez un reggae («Del pulmón»). En este disco también aparece una de las canciones más conocidas de Rosendo, «Flojos de pantalón».

Es el primer álbum autoproducido por Rosendo, y el primero en el que participa Gustavo di Nobile, que le acompañará hasta que el roquero madrileño prescinda de los teclados.

Os dejo con el reggae mencionado antes, Del pulmón

https://es.wikipedia.org/wiki/Jugar_al_gua

LOVE IS STRON - ROLLING STONES

«Love Is Strong» —en español: «El amor es fuerte»— es una canción de la banda inglesa The Rolling Stones. Escrita por Mick Jagger y Keith Richards, es la canción de apertura y el primer sencillo de su álbum de 1994 Voodoo Lounge.

Compuesta por Mick Jagger y Keith Richards, «Love Is Strong» es una canción que narra un encuentro entre el cantante y una persona sin nombre, que sienten atracción inmediata de "amor / lujuria a primera vista" y el anhelo de que la pareja se encuentre, a pesar de los obstáculos.

La canción fue escrita en Irlanda por Richards y originalmente tenía el nombre «Love is Strange». Hay gran cantidad de bootlegs de las sesiones, ya que Ron Wood, Richards, Ivan Neville y el productor Don Was trabajaron con la canción mientras que Jagger estaba finalizando su disco solista Wandering Spirit. Más tarde Keith modifica el título a «Love is Strong». El lanzamiento final fue alterado perceptiblemente por las letras agregadas de Mick y por la utilización de la armónica, un instrumento que raramente utilizaron en ese periodo de la banda.

Jagger dijo al momento del lanzamiento: "Corrimos la canción varias veces mientras yo jugaba con la armónica, y comencé a cantar a través de ella, así obtienes sonido extraño. Y luego comencé a cantar una octava abajo, para obtener ese tono gutural y sexy .. Fue bueno poner la armónica en una pista como esta, siempre piensas en tocarla en un blues de 12 compases, y es divertido ponerlo en uno que no lo es. Es bueno trabajar con otra secuencia."

La grabación comenzó en septiembre de 1993, en el estudio casero de Wood en Irlanda y continuó en A&M Recording Studios en Los Ángeles en 1994.

Lanzado como el primer sencillo del álbum, «Love Is Strong» no logró superar las expectativas, entrando a penas al Billboard Hot 100 de los Estados Unidos.

Se convirtió en el primer sencillo de la banda en listar en las últimas posiciones de los conteos, así también como el papel de los Stones en ellas. A pesar de esto, la canción sigue siendo una de las canciones más conocidas de los años 90. Se gastó un monto considerable en la promoción del lanzamiento del CD Voodoo Lounge, ya que fue el primero del sello Virgin Records, incluyendo al popular vídeoclip dirigido por David Fincher y editado por Robert Duffy en Spot Welders; El vídeo en blanco y negro muestra versiones gigantes de los stones, así como unos cuantos residentes abrazándose románticamente sobre la Ciudad de Nueva York.

El sencillo, más débil de lo esperado, redujo las ventas del disco, a pesar de las críticas positivas recibidas por la prensa especializada y el premio Grammy al mejor vídeo musical. Con el tiempo, el tema demostró ser popular en Europa, trepando al número 14 en el Reino Unido y recibiendo una difusión significativa en las radios de los Estados Unidos. Los Rolling Stones interpretaron la canción en vivo en los MTV Video Music Awards de 1994.

A pesar de que dejaron de interpretarla en varios conciertos recientes, a favor de temas más amigables en vivo como «You Got Me Rocking» (segundo sencillo de Voodoo Lounge), los Stones reintrodujeron «Love is Strong» en el setlist del A Bigger Bang Tour del 22 de julio de 2007, en su show en la ciudad de Brno, República Checa. Posteriormente también la tocaron en su presentación en la ciudad de Hamburgo en agosto de ese mismo año.

La canción también fue incluida en el álbum recopilatorio Forty Licks (2002) y GRRR! (2012).

https://es.wikipedia.org/wiki/Love_Is_Strong

CONTAMÍNAME - ANA BELÉN Y VICTOR MANUEL

Golosinas es el primer álbum en solitario del cantautor Pedro Guerra, tras su etapa en Taller Canario. Fue grabado en vivo en diciembre de 1994 en Cinearte, Madrid. Su canción más conocida fue sin duda «Contamíname», que ya habían hecho famosa Ana Belén y Víctor Manuel en su álbum en vivo Mucho más que dos. Os dejo con la versión de Ana y Victor.

https://es.wikipedia.org/wiki/Golosinas_(álbum)

SENCILLA ALEGRIA - LUZ

Sencilla alegría es el décimo disco de la cantante española Luz Casal, puesto a la venta en 2004. Incluye la canción Ecos, dedicada a las víctimas de los atentados del 11 de marzo de 2004 en Madrid, que alcanzó gran popularidad.

Os dejo con el tercer corte del disco, SENCILLA ALEGRIA, que además da nombre al mismo.

ONDE LA MAR - BALANDRAN

Balandrán foi ún de los grupos más importantes de la segunda fola del folk asturianu, aquella que surdió ente finales de los 80 y principios de los 90 del sieglu pasáu. Concretamente, esta banda avilesina -el nome gárrenlu de la playa de Samalandrán- naz nel añu 1987 formada por músicos provenientes d’escenes distintes: jazz, clásica, tradicional, pop, rock… El so enfotu dende’l primer momentu foi’l d’anovar el soníu folk asturianu, yá na instrumentación dexaben claru esti espíritu con respectu al calter acústicu de la mayoría de les formaciones d’aquella dómina; d’ésta facíen parte la gaita, el violín, la flauta, l’acordión o la guitarra acústica, pero tamién la batería, el baxu, los teclaos o la guitarra eléctrica. Otru elementu definitoriu del so soníu foron les composiciones propies y la llibertá arreglística, dando como resultáu un estilu eclécticu y orixinal. Supieron crear una nueva música asturiana, híbrida ente lo trad y lo contemporáneo, ente lo rural y lo urbano, ente lo acústico y lo eléctrico. Foron tamién, amás, introductores nel folk del país de les sonoridaes electróniques, contando con dos voces nes pieces cantaes (Javi Rodríguez y Tina Cuadriello).

Depués de grabar una maqueta col componente de Beleño Fernando Largo, nel estudiu caseru que tenía asitiáu en Trevías (Valdés), y de llegar a rexistrar un álbum con esti mesmu músicu yá nel estudiu qu’abriría n’Uviéu, que nunca vería la lluz, publicaríen el so primer discu, de títulu homónimu (Balandrán, L’Aguañaz 1993), col que se daríen a conocer más ampliamente y percorreríen el circuitu de Nueches Celtes tan espardíes daquella. Tres años más tarde apaecería’l so segundu trabayu, tituláu El Viaxe (L’Aguañaz 1996), col que llogren el reconocimientu unánime de públicu y crítica. De fechura impecable, estes dos muestres del llabor de Balandrán confírmenlu como un grupu d’una elegancia musical indiscutible y de lo meyor que dio la música d’espresión asturiana.

(https://musicasturiana.com/maqueta-inedita-del-tercer-discu-de-balandran-2001/)

Sin más, os dejo con su tema, ONDE LA MAR, de su segundo discu.

NO VOY EN TREN - MIGUEL RIOS

Como si fuera la primera vez es el decimonoveno álbum de Miguel Ríos, editado por Virgin Records en 1996.El álbum marcó el regreso discográfico de Miguel Ríos tras un paréntesis de 5 años desde su anterior trabajo, "Directo al corazón". Este disco, producido por el músico chileno Carlos Narea, fue el primero y único que Ríos lanzó por Virgin Records, tras su desvinculación de Polydor: a partir de aquí crearía su propio sello, a través del cual publicaría sus siguientes trabajos. La canción "No voy en tren" es un cover del músico argentino Charly García. Os dejo con ella. https://es.wikipedia.org/wiki/Como_si_fuera_la_primera_vez_(%C3%A1lbum_de_Miguel_R%C3%ADos)

ESOS OJOS NEGROS - DUNCAN DHU

«Esos ojos negros» es una canción del grupo musical español Duncan Dhu, con música y letra de Diego Vasallo. Incluida en su segundo álbum, Canciones.

Se trata de una balada romántica, que llegó a convertirse, no solo en uno de los temas más importantes del álbum en que está incluida, sino también una de las canciones más emblemáticas de la banda.​

El tema fue versionado por Álex Ubago para el álbum Cien gaviotas dónde irán... Un tributo a Duncan Dhu, de 2005.​

Incluida además en los recopilatorios Colección 1985-1998 y Teatro Victoria Eugenia (en directo).