martes, 25 de noviembre de 2025

I WANT TO BREAK FREE - QUEEN

«I Want To Break Free» (en español: Quiero ser libre) es una canción realizada por la banda de rock británica Queen incluida en su disco del álbum The Works, publicado en 1984. La canción, escrita por el bajista John Deacon, fue lanzada como el segundo sencillo en abril de 1984, con Machines (Or 'Back To Humans') como lado B, y alcanzó el puesto número 3 en el Reino Unido. Aparece en el álbum The Works (1984), y fue lanzado en tres versiones: álbum, sencillo y extendido. Se incluyó en la mayoría de los conciertos en vivo del grupo, en varios vídeos y en The Freddie Mercury Tribute Concert, donde fue interpretado por Lisa Stansfield.
El vídeo de la canción es uno de los más recordados de la banda, en el que sus integrantes parodian una telenovela británica de la época llamada Coronation Street, caracterizados como mujeres. La segunda parte del vídeo incluye una composición ensayada y actuada por el Royal Ballet de Londres y la coreografía fue hecha por Wayne Eagling. A causa de ello, el vídeo fue censurado por MTV en los Estados Unidos, por lo que Queen no incluyó a este país en el The Works Tour. El vídeo no fue visto en las pantallas estadounidenses hasta 1991.
La canción es ampliamente conocida por su vídeo musical para el cual todos los miembros de la banda se vistieron de señoras amas de casa, un concepto propuesto por Roger Taylor, que parodiaba la telenovela Coronation Street de ITV. La segunda parte del vídeo incluyó una composición ensayada y realizada con el Royal Ballet y coreografiada por Wayne Eagling. Mientras que la parodia fue aclamada en el Reino Unido, donde el travestismo es un tropo popular en la comedia británica, se consideró controvertido en los Estados Unidos.
Después de su lanzamiento en 1984, la canción fue bien recibida en Europa y América del Sur y es considerada como un himno de la lucha contra la opresión. El sencillo alcanzó el número 45 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, pero alcanzó el número tres en el Reino Unido y obtuvo la certificación de plata con más de 200 000 copias vendidas. También encabezó las listas de Austria, Bélgica y los Países Bajos. La canción aparece en el álbum recopilatorio de la banda, Greatest Hits II.
La versión extendida dura 7 minutos y 16 segundos y presenta una introducción y finalización más largas. Dura hasta las 6:04, y el minuto restante contiene fragmentos de otras canciones de The Works. La versión extendida se distribuyó principalmente como discos de vinilo de 12 pulgadas y luego se volvió a publicar en el CD de The Works en 1991. Además apareció en los álbumes Greatest Hits II, Box of Tricks, Greatest Hits (1992 US 'Red' edition) y Absolute Greatest y en los sets The Complete Works y The Platinum Collection.
Siguiendo la tradición del cross-dressing en la comedia británica, el vídeo musical de "I Want to Break Free" ve a los miembros de Queen aparecer en una casa suburbana vestidos como mujeres, una parodia de los personajes de Coronation Street. Mercury, como ama de casa, aspira el piso y canta el primer verso. Abre una puerta que conduce a un espacio oscuro, donde el grupo aparece rodeado de figuras con cascos de minero. Mercury baila en una caja brillante y reaparece con varios bailarines vestidos con leotardos manchados, y realiza un baile. En la casa, Mercury canta y sube las escaleras. El grupo aparece en el espacio oscuro de nuevo.
El vídeo comienza con una escena de las típicas calles residenciales británicas en la mañana, intercaladas con escenas del personaje de Brian May siendo despertado por un Teasmade. Las casas adosadas (terrace houses), características de los planes de viviendas socia británicos, se encuentran en Leeds, en el barrio de Harehills. El techo de una casa adosada, muy probablemente entre "Sandhurst Terrace" y "Dorset Rd" se puede ver en la toma de apertura. En la segunda escena, la cámara se desplaza a una casa adosada y se detiene en la casa donde supuestamente ocurre la acción. Se encuentra en "41 Dorset Mount" en la vida real y tiene un plano de planta ligeramente diferente al conjunto utilizado en el vídeo. Una parte de la placa con el nombre de la calle "Dorset Mount" se puede ver en su pared solo un segundo antes de que Brian May se levante de la cama.
El vídeo musical de "I Want To Break Free" fue dirigido por David Mallet. Fue filmado el 22 de marzo y el 4 de mayo de 1984 en Limehouse Studios y costó alrededor de £100,000. El vídeo falsifica la telenovela de ITV Coronation Street, como lo propuso Roger Taylor: "Habíamos hecho algunos vídeos realmente serios y épicos en el pasado, y pensamos que nos divertiríamos. Queríamos que la gente supiera que no lo hicimos. No nos tomemos demasiado en serio, que aún podamos reírnos de nosotros mismos. Creo que lo probamos."
El vídeo muestra a Mercury como una ama de casa, basada libremente en Bet Lynch, que quiere "liberarse" de su vida. Aunque Lynch era rubia, Mercury pensó que se vería demasiado tonto como rubia y eligió una peluca oscura. Lleva una peluca negra, aretes rosas, blusa rosa con un pecho falso considerable debajo, minifalda de cuero negro, zapatos hasta la rodilla y de tacón. Durante las pruebas, Mercury se dio cuenta de que no podía caminar libremente con zapatos de tacón alto y se decidió por unos de 2 pulgadas. May interpreta a otra ama de casa más relajada basada en Hilda Ogden. Deacon aparece como una "abuela" conservadora, mientras que Taylor interpreta a una colegiala, que al igual que Mercury quiere una vida diferente. La composición fue coreografiada por Wayne Eagling, un amigo de Mercury que lo había ayudado con la coreografía de "Bohemian Rhapsody". Eagling era entonces un líder del Royal Ballet que participó en el vídeo (uno de los bailarines fue Jeremy Sheffield). Mercury se afeitó el bigote para retratar a Vaslav Nijinsky como un fauno en el ballet L'après-midi d'un faune. El tiroteo requirió mucha práctica, especialmente la parte rodante del transportador. Según Eagling, a pesar de ser un intérprete natural en el escenario, Mercury no podía soportar realizar ningún acto coreografiado él mismo, por lo que fue recogido y movido en la parte de ballet del vídeo. Los ensayos con el Royal Ballet fueron organizados por Eagling en secreto de sus superiores, algo que lo puso en serios problemas cuando se descubrió más tarde.
El sencillo fue bastante bien recibido alrededor del mundo, excepto en Estados Unidos. En abril de 1984, se convirtió en el número 3 en el Reino Unido, y estuvo en el Top 10 en varios países de Europa y América Latina, pero solo alcanzó el número 45 en Estados Unidos. El sencillo se convirtió en Oro en el Reino Unido. El vídeo de la canción presenta a Freddie y al resto del grupo o los componentes de la banda vestidos de mujeres, parodiando una telenovela británica de la época llamada Coronation Street. El veto sufrido por MTV y otras estaciones de Estados Unidos, que causaron que la banda no incluyera a ese país en el The Works Tour, también jugaron un papel importante en el bajo ranking sufrido en ese país. El veto se levantó en 1991 cuando la canción salió al aire en el programa de VH1 "«Mi generación»", en un episodio dedicado a Queen y presentado por Brian May. De acuerdo con él, en una entrevista que hizo acerca de los grandes éxitos de Queen, mientras que el vídeo se entendió y se tomó como una broma en el Reino Unido, la audiencia de Estados Unidos no lo relacionó con la telenovela británica y probablemente interpretó el vídeo como una declaración abierta de un supuesto travestismo y la homosexualidad o bisexualidad de Freddie, lo cual podría explicar por qué se vetó el vídeo en ese país.

A finales de los años ochenta 80, esta canción se convirtió en un himno para el CNA de Sudáfrica, cuando Nelson Mandela todavía estaba en la cárcel.

Durante el Concierto en Tributo a Freddie Mercury la canción fue interpretada por Lisa Stansfield, quien salió a escena con rulos y una aspiradora, homenajeando así al personaje que Freddie Mercury interpretaba en el vídeo de la canción.

Escrita por: John Deacon


jueves, 22 de mayo de 2025

MATILDE LANDA - BARRICADA

La canción 'Matilde Landa' de Barricada rinde homenaje a una figura histórica de la Guerra Civil Española, Matilde Landa, una mujer que simboliza la resistencia y el coraje en tiempos de represión. La letra está impregnada de referencias a su lucha y sufrimiento, destacando su papel como republicana y su firmeza ante la adversidad. La mención de 'balas y cárcel' evoca el contexto violento y opresivo en el que vivió, mientras que 'libertad y coraje' subraya su espíritu indomable y su compromiso con la causa republicana.
El estribillo de la canción enfatiza la imposibilidad de doblegar su voluntad: 'No pudieron colgar de tu pecho ni crucifijos ni sotanas'. Esta línea sugiere la resistencia de Matilde Landa a la imposición religiosa y a la opresión franquista, manteniéndose fiel a sus ideales hasta el final. La repetición de 'republicana' refuerza su identidad y su lucha, convirtiéndola en un símbolo de resistencia para las generaciones futuras.
La canción también aborda la soledad y el dolor personal de Matilde Landa, especialmente en la línea 'Qué irónica es la vida, que por un lado seas consuelo para muchas y a la vez la soledad te acompaña en cada lágrima'. Aquí, Barricada humaniza a la figura histórica, mostrando su vulnerabilidad y el sacrificio personal que conllevó su lucha. La mención de su hija esperando su regreso añade una capa de tragedia personal a su historia, recordándonos que detrás de cada héroe hay una persona con emociones y relaciones personales.
'Nos espera en el aire tu abrazo, eres lluvia enterrada' es una metáfora poderosa que sugiere que, aunque Matilde Landa ya no esté físicamente presente, su espíritu y legado perduran. La 'lluvia enterrada' puede interpretarse como la esperanza y la lucha que continúan germinando en la memoria colectiva, inspirando a nuevas generaciones a seguir luchando por la libertad y la justicia.
La tierra está sorda es el título del decimocuarto disco de estudio de la banda de rock Barricada. Publicado en 2009, se trata de un álbum conceptual sobre la guerra civil española. Está acompañado por un libreto de 184 páginas escrito por El Drogas, bajista y voz del grupo hasta 2011.
Os dejo con su sexto corte, Matilde Landa.


domingo, 20 de abril de 2025

DEVIL CAME TO ME - DOVER

«Devil Came to Me» es una canción compuesta por Dover y publicada como la canción de apertura de su segundo álbum de estudio Devil Came to Me, que vendió más de 800 000 copias. https://es.wikipedia.org/wiki/Devil_Came_to_Me_(canci%C3%B3n_de_Dover)


viernes, 28 de marzo de 2025

THE SENTINEL - JUDAS PRIEST

La canción 'The Sentinel' de Judas Priest se sumerge en un mundo oscuro y vigilante, donde la justicia y la venganza se entrelazan en un baile mortal. La letra describe a un personaje solitario, conocido como el centinela, que se prepara para un enfrentamiento inminente en un entorno urbano desolado y lleno de tensiones. A través de imágenes vívidas como avenidas desiertas, humo y campanas de catedrales que suenan, la canción evoca una atmósfera de anticipación y peligro inminente.
El centinela es retratado como un guerrero implacable y preparado, cuya vida pende de un hilo mientras espera una señal para entrar en acción. Las estrofas que mencionan 'Sworn to avenge, Condemn to hell, Tempt not the blade, All fear the sentinel' refuerzan su papel como un agente de venganza y temor, un guardián que no solo protege sino que también castiga. La canción alcanza su clímax en una violenta confrontación donde los cuchillos vuelan y la sangre se derrama, mostrando la brutalidad y el costo humano de la justicia que el centinela administra.
Musicalmente, Judas Priest utiliza su característico estilo de heavy metal para complementar la intensidad de la letra. Los riffs potentes y el ritmo acelerado refuerzan la sensación de urgencia y conflicto. 'The Sentinel' no solo es una exploración de la justicia vigilante, sino también una reflexión sobre la soledad y el peso emocional que conlleva ser el portador de tal destino. La figura del centinela, aunque victoriosa, permanece impasible y sola, subrayando la ambigüedad moral de sus acciones y el aislamiento que su rol implica.
Defenders of the Faith es el noveno álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1984 a través de Columbia Records. De acuerdo a Steve Huey del sitio Allmusic es una de sus producciones con mejor calidad, aunque no llega a la altura de British Steel y Screaming for Vengeance principalmente por no generar sencillos a nivel mundial como los ya mencionados.
En el 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales: «Turn On Your Light» grabada durante las sesiones de Turbo y una versión en vivo de «Heavy Duty/Defenders of the Faith», que se grabó en Long Beach (California) en 1984. En marzo de 2015 con motivo de su trigésimo aniversario, se editó una publicación especial, que incluyó un álbum en vivo de doble disco. Dicha grabación se realizó el 5 de mayo de 1984 en el Long Beach Arena de Long Beach, emitida originalmente por una radio local.
A los pocos días después de presentarse en el certamen US Festival en California, la banda se trasladó nuevamente a los Ibiza Sound Studios en España para escribir nuevas canciones para un eventual álbum de estudio. En junio de 1983 e instalados en la isla de Ibiza, se enteraron de que el estudio tenía problemas de financiación y que muchos de los equipos no estaban allí.
De acuerdo a una entrevista dada por Rob Halford a la revista Revolver en septiembre de 2003, afirmó que durante días no pudieron hacer nada porque los técnicos del estudio no habían recibido su sueldo. También relató que el sello le prestó dinero al dueño del estudio para que la banda pudiera grabar, aun así en precarias condiciones ya que los técnicos se habían llevado algunos de los equipos de grabación como compensación económica.
Tras llegar a un acuerdo entre los técnicos, el dueño del estudio y la discográfica, la banda pudo iniciar las grabaciones en julio de 1983 y que culminaron a mediados de agosto. Luego entre septiembre y noviembre se trasladaron a Miami específicamente a los DB Recording Studios y a los Bayshore Recording Studios, donde iniciaron el proceso de mezclado. Allí también decidieron el título del álbum que en un principio se llamaría Keep the Faith, pero que luego optaron por el actual basándose en la canción «Defenders of the Faith» ya que en una entrevista a K.K. Downing realizada por Rockline explicó: «El significado del título es que el heavy metal es nuestra fe, como lo es para todo el que lo sigue. Estamos defendiéndola contra los no creyentes». Por último, a fines de noviembre todas las canciones se masterizaron en los Sterling Studios de Nueva York.
A pesar de que el proceso de grabación en sí fue un éxito, el guitarrista K.K. Downing sufrió un grave accidente que casi le cuesta la vida. Cuando aún estaban en la ciudad, tanto él como el ingeniero de sonido Mark Dodson se trasladaron a un local nocturno y cuando salían del establecimiento Downing fue atropellado por un taxi. Según comentaron los testigos, antes de llegar a una esquina el taxi lo atropelló por el frente lanzándolo a varios metros más allá y de acuerdo a Glenn Tipton, el guitarrista fue llevado al hospital consciente pero con serias fracturas que le costaron estar varias semanas de reposo antes de volver a grabar.
Se lanzó oficialmente el 4 de enero de 1984 en el Reino Unido a través de CBS Records y a los pocos días alcanzó el puesto 19 en los UK Albums Chart. En el mismo día también se publicó en los Estados Unidos por el sello Columbia donde llegó al lugar 18 en la lista Billboard 200.​ Dos meses después recibió disco de oro por la Recording Industry Association of America y en 1988 le otorgaron disco de platino, tras vender más de 1 millón de copias en el país norteamericano.
Para promocionarlo se lanzaron tres canciones como sencillos; «Freewheel Burning» que se lanzó en diciembre de 1983 y que llegó a la posición 42 en los UK Singles Chart, «Love Bites» publicado a principios de 1984 y «Some Heads Are Gonna Roll» puesto a la venta en marzo del mismo año.​ Por su parte, a principios de enero comenzó su gira promocional denominada Metal Conqueror Tour, que destacó porque los llevó por primera vez a España y porque en varios de sus conciertos fueron tocadas todas las canciones del álbum a excepción de «Eat Me Alive». Como dato en el 2008 y durante la gira del disco Nostradamus, «Eat Me Alive» fue tocada en vivo convirtiendo a Defenders of the Faith en su segunda producción en ser interpretada completamente en directo después de Rocka Rolla.
Su portada fue concebida por la propia banda y el dibujo del personaje fue obra de Doug Johnson, el mismo artista que creó al ave metálica llamada The Hellion en Screaming for Vengeance. El personaje que aparece en esta portada se llama The Metallian, una criatura similar a un tigre con cuernos de carnero y con cuerpo con forma de tanque, que fue creada por los propios integrantes de la banda.​ De acuerdo a Downing necesitaban una portada llamativa que reflejara el título del disco y por ello crearon a The Metallian como un ser defensor del heavy metal.
Al igual que en Screaming for Vengeance, en su contraportada se escribió un mensaje con la idea de contar una breve historia de esta criatura: «Emerge desde la oscuridad, donde el infierno no tiene piedad y los ecos de los gritos de venganza estarán por siempre. Solo aquellos que conservan su fe escaparán de la ira de The Metallian... Maestro de todo el metal».
Os dejo con su cuarto corte, The Sentinel




martes, 11 de marzo de 2025

WALKING BY MYSELF - EL HOMBRE ABUELA

EL HOMBRE ABUELA era un grupo gijonés, fundado en el año 2004, que editó tres maquetas, la última en el año 2005. Su música estaba influenciada por las grandes bandas del hard rock internacional y nacional y buscaban transmitir sus preocupaciones sociales a través de su música y también mantener el espíritu revolucionario del rock. Los miembros más importantes, a parte de otros que pasaron ni pena ni gloria por el grupo, fueron, Rosillo, Manuel, Gil, Adrián, Óscar y Rubén. Ganaron el concurso de maquetas COMA en el año 2007 y publicaron un tema suyo en un disco editado con las bandas ganadoras del mismo, el tema fue. Hoy os dejo con una de los primeros temas que grabaron, una versión del gran Gary Moore, Walking by myself, grandes El Hombre Abuela



 

miércoles, 5 de marzo de 2025

SAFE IN NEW YORK CITY - AC DC

La canción 'Safe In New York City' de la icónica banda de rock AC/DC, lanzada en el año 2000, es una pieza que destila la energía cruda y el estilo desenfadado característicos del grupo. A primera vista, el estribillo repetitivo que afirma sentirse seguro en Nueva York podría interpretarse como una declaración de amor hacia la ciudad que nunca duerme. Sin embargo, una mirada más atenta a la letra sugiere una posible ironía, ya que Nueva York, especialmente en las décadas anteriores, era conocida por su alta criminalidad y su ambiente peligroso.
La letra menciona 'los altos lugares y la disposición de la tierra', lo que podría interpretarse como una exploración de la ciudad más allá de los destinos turísticos habituales, adentrándose en los rincones más crudos y auténticos. La referencia a 'no necesitar un cohete o una gran limusina' sugiere que la verdadera experiencia de Nueva York se vive en las calles, en contacto directo con su vibrante cultura urbana. La canción también alude a la vida nocturna y a la energía sexual de la ciudad, con líneas que hablan de 'lip smackin' honey' y 'cosas en jeans ajustados', lo que refuerza la imagen de una ciudad llena de vida y tentaciones.
Musicalmente, AC/DC es conocido por su rock duro y directo, y 'Safe In New York City' no es una excepción. La canción captura la sensación de invencibilidad y desafío que a menudo se asocia con la juventud y la rebeldía. En este contexto, la canción puede verse como una celebración de la libertad y la audacia, con Nueva York sirviendo como el escenario perfecto para la aventura y la autoafirmación.
La canción fue escrita por los hermanos Angus y Malcolm Young y fue lanzada como sencillo el 28 de febrero de 2000. Fue coproducida por George Young y la banda. ​Alcanzó la posición No. 21 en la lista Billboard Mainstream Rock de los Estados Unidos.
El vídeoclip de la canción, dirigido por Andy Morahan, muestra a la banda tocando en un túnel de la ciudad rodeada por la policía.
Es el quinto corte del álbum Stiff upper lip, decimocuarto trabajo de estudio de la banda.


domingo, 2 de marzo de 2025

ARE YOU READY - AC DC

«Are You Ready» es una canción de la banda australiana de hard rock AC/DC, la cual aparece en el álbum de estudio The Razors Edge, lanzado en 1990 por Atco Records.
El video musical para esta canción, dirigido por David Mallet, muestra a un grupo de presos que asisten a un mini concierto de AC/DC en su prisión.
Un preso se viste de gala para prepararse para que la banda  toque la canción y los guardias de seguridad les afeitan la cabeza a los presos, dejando una parte sin afeitar que forma el logo de AC/DC, el similar a la cubierta del álbum de la banda, The Razors Edge.


jueves, 27 de febrero de 2025

ACCIÓN DIRECTA - BARRICADA

La canción 'Acción Directa' de Barricada es un himno de protesta y resistencia. Desde el primer verso, la letra nos sumerge en un ambiente de tensión y urgencia, con la noticia que 'encendió la mecha' y el 'fuerte golpe' que 'arranca la cabeza'. Estas imágenes evocan una situación de crisis inminente, donde la calma ha sido reemplazada por el caos y la agitación. La referencia a la tormenta que se avecina y el tumulto creciente refleja un descontento social que está a punto de estallar.
El estribillo 'Preparados para lo que sea, preparados para lo que venga' refuerza la idea de una comunidad lista para enfrentar cualquier adversidad. La repetición de esta frase subraya la determinación y la unidad de las personas ante la adversidad. La falta de respuestas a las preguntas y la indignación de ser 'escupidos a la cara' simbolizan la frustración y la injusticia que sienten. La 'acción directa' se presenta como la única solución viable, una respuesta inmediata y contundente ante la opresión.
La metáfora de 'como una bala rasa vas' sugiere una fuerza imparable y decidida. La canción no solo es un llamado a la acción, sino también una declaración de que la pasividad no es una opción. Barricada, conocido por su estilo punk rock y sus letras comprometidas, utiliza esta canción para canalizar la rabia y la energía de una generación que no está dispuesta a aceptar la injusticia sin luchar. 'Acción Directa' es, en esencia, un grito de guerra contra la opresión y un recordatorio de que la resistencia es necesaria para el cambio. https://www.letras.com/barricada/627472/significado.html
La canción viene en el onceavo trabajo de estudio de la banda, para concretar, su primer corte y el que da nombre al álbum. El mismo vio la luz en el año 2000.


martes, 18 de febrero de 2025

HEATSEEKER - AC DC

«Heatseeker» es una canción que pertenece al álbum Blow Up Your Video (1988), de la banda de hard rock australiana AC/DC. Esta canción aparece en otros álbumes de AC/DC en vivo, en concierto y en otros discos de coleccionistas. También, "Heatseeker" ha salido en otros formatos con "Go Zone".
En el vídeo, dirigido por David Mallet, Angus Young estalla de una vida de tamaño de los televisores. Él lanza su gorra y cae en el interruptor que hace despegar el misil. Un misil balístico intercontinental es lanzado y en la pantalla es filmaciones de la Strategic Air Command en los años 1950, 1960 y 1970. El misil se convierte en un misil de crucero, y viaja por todo el mundo, con lo cual finalmente se estrella en el Opera House de Sídney, durante el concierto de AC / DC . Angus estalla fuera de la ojiva del misil gigante y hace un solo de guitarra. Al final, Angus retornar a la ojiva del misil.

jueves, 13 de febrero de 2025

YOU REALLY GOT ME - THE KINKS

«You Really Got Me» es una canción del grupo británico The Kinks escrita por su líder Ray Davies. Se publicó en un sencillo en agosto de 1964, al mes siguiente llegó al #1 del UK singles chart y permaneció en ese puesto durante dos semanas. Este gran éxito los llevó a la fama y a ser una de las bandas más representativas de la invasión británica.
La canción, que se basa principalmente en un riff ejecutado con acordes de quinta, es clave para los posteriores géneros del rock and roll, en particular en el garage rock y el punk rock. La canción aparece en el lugar número 82 en la lista de Rolling Stone de las 500 canciones más grandes de la historia. En 2005, la BBC la proclamó como la mejor canción británica del decenio 1955-1965. La revista Q la ubicó en el lugar 9 en la lista de las mejores canciones de guitarra.
La canción se grabó en el verano de 1964, cuando la banda venía de publicar dos sencillos de no mucho éxito en las listas y con la presión de la compañía discográfica de lograr un acierto para continuar grabando convenció a la compañía y su sencillo se publicó, para después quedar como el compositor principal de las canciones de los Kinks.
El distorsionado sonido de la guitarra se debe a una idea de Dave Davies, quien colocó en su amplificador una hoja de afeitar y alfileres. Este amplificador fue llamado cariñosamente como «little green» y fue fabricado por la compañía Elpico. La guitarra usada en la canción es una Harmony Meteor de 1962.
El solo de guitarra ha sido un constante mito en la historia del rock and roll, mucho de ello se debe a la presencia de Jimmy Page en las sesiones de grabación. Algunos afirman que el solo fue realizado por Page, pero sin lugar a dudas el solo pertenece al joven Davies (que tenía sólo 17 años). Además, por aquellos días Jimmy era músico de sesión.
Numerosos artistas han hecho su propia versión de «You Really Got Me», además de las versiones en solitario de los hermanos Ray y Dave Davies. En 2008, All Music Guide publicó la lista de grupos o solistas que interpretaron alguna vez esta canción.

Entre las más destacadas versiones se encuentran las de 13th Floor Elevators (1966), Mott the Hoople (1969), Robert Palmer (1978), Sly & the Family Stone (1983), Toots Hibbert (1998), Metallica con Ray Davies (2010). En bandas en español se encuentran versiones de Los Bunkers y Massacre.
Probablemente, la versión más famosa fue la hecha por la banda de Van Halen, que apareció en su primer álbum en 1978. Esta versión significó el salto al estrellato y el regreso de la canción a las listas de popularidad.